CRÍTICA: STOKER (2013)

Título: Stoker.

Dirigido por: Chan-Wook Park.

Escrito por: Wentworth Miller.

Año: 2013

País: Estados Unidos, Reino Unido.

Reparto: Mia Wasikowska, Nicole Kidman, Matthew Goode.

Género: Drama, Thriller, Suspense, Misterio, Crimen, Horror

Valoración: 8,9/10.

Sinopsis: El prestigioso y adinerado arquitecto Richard Stoker fallece dejando solas a su esposa Evelyn y a su querida hija India. En plenos funerales, hace acto de aparición en la lujosa mansión Charlie Stoker, el hermano de Richard, que ha permanecido muchos años alejado de la familia viajando por el mundo, y que ahora regresa con desconocidas intenciones.

CRÍTICA: La pequeña espera por ver una de las películas más esperadas del 2013 ha terminado, hablo de “Stoker” (A.K.A "Lazos Perversos") película que marca el debut del aclamado director coreano Chan-Wook Park en idioma inglés, cosa que a muchos siempre les preocupa ya que no siempre “estos” debuts suelen ser lo esperado por sus seguidores. Hemos tenido otros casos como el del francés Pascal Laugier que debutó con su obra maestra (para mí) “The Tall Man” o también a Xavier Gens quien lo hizo con la sobrevalorada “The Divide”. Otra cosa a mencionar es que está producida por los hermanos Scott y que la Fox Searhlight también es parte de la producción. En fin, todos conocen muy bien a Chan-Wook Park por haber dirigido la también aclamada película “Old Boy” en el año 2003, confieso (esto será un poco alarmante para algunos) que aún no he visto aquella película de la cual todos hablan maravillas y que hizo que el mundo entero conociera a este director ¿mi excusa?  Bueno, la verdad es que no soy gran seguidor del cine oriental aunque si he visto una que otra como por ejemplo “ColdFish”, película que me pareció un peliculón de aquellos, pero bueno sin irme por otros rumbos y como les estaba comentando, no he visto “Old Boy” por lo tanto antes de ver “Stoker” no conocía como trabajaba y cuál era el estilo que destacaba a este director.

Es cierto que “Stoker” está inmensamente influenciada por el cine del gran Alfred Hitchcock (se los digo yo que sólo he visto tres o cuatro de sus obras) todos los que vean el film se darán cuenta de esto, pero aquello no nos dice absolutamente nada porque a pesar de tener esta y otras tantas influencias de por medio, “Stoker” tiene sello propio por donde se le mire, y con ello, millones de razones para afirmar que es una pieza única donde el mayor punto a favor que tiene es su exquisita  y fina carta de presentación.  Eso es demostrado por Chan-Wook Park con la hermosa escena inicial que monta de manera delicada que mientras avanza se torna seductora escuchando una voz en off decir unas cuantas palabras profundas que entenderemos recién cuando este oscuro camino llegue a su fin. Desde ahí parte la historia de India Stoker, día en que cumple dieciocho años, día en que su padre muere en un extraño accidente y día donde conoce a su tío Charlie, del cual ella no tenía idea de su existencia. La inesperada llegada del tío Charlie vendrá a mover aún más las estructuras de esta familia inestable y junto con eso, saldrán a flote secretos perversos que desatarán una serie de eventos turbios. Ese es el argumento que presenta “Stoker” y Chan-Wook Park permite que este cuento macabro para adultos se defina por el estado de ánimo y el estilo por encima de todo.

A lo largo de este viaje nos encontraremos con un relato inquietante sobre la familia Stoker, donde vas intuyendo que ocultan algo oscuro entrando en un sutil juego que comienza a crearse de a poco y en el cual se nos invita a descubrir los pequeños secretos con varias pistas subliminales que se asoman.  Estas, escondidas en gran parte de los diálogos, escenas, ambiente, en los hechos y hasta en los movimientos y miradas de cada personaje. Las referencias literarias y simbolismo abundan en “Stoker”, puedes pasarte atado en el asiento durante todo el film tratando de averiguar quiénes son realmente estas personas y creo que esa es una de las ideas que se quiere lograr. Como ya dije, todas las pistas están ahí, sólo hay que mirar de cerca prestando  atención a los más mínimos detalles.  Sim embargo esto no quiere decir que “Stoker” sea una caja llena de sorpresas y giros inesperados, sino todo lo contrario. La historia carece bastante de originalidad y factores sorpresas, el juego de adivinanzas es casi nulo pero es fácil agarrarle el hilo aunque la trama sea predecible viendo recién los primeros quince minutos. A pesar de eso, esas carencias pasan completamente desapercibidas gracias a la atmosfera de tensión, erotismo y suspense que mantiene Chan-Wook Park (y que no distrae) durante la hora y cuarenta minutos, incluyendo el encandilamiento  de su inigualable fotografía.

El visionado de “Stoker” es pausado pero jamás aburrido y/o rutinario como para apartar la vista por distracción. Para los seguidores de Chan-Wook Park este será uno de los problemas que más debate tendrá, así como también la estúpida e incoherente expectativa de pensar que estamos frente a la típica película de horror sangrienta o que el director repetirá  otra vez el camino de sus trabajos anteriores. “Stoker” es puro estilo y destila elegancia de principio a fin, es una película de alta calidad donde la producción completa (o mejor dicho la película en sí) es poesía pura, es un espectáculo visual fuerte y despampanante que sonreír mientras la ves, es inevitable. Creo que el estilo oriental de Park se nota a millas de distancia incluso sin tener conocimiento de que él la dirige otorgándole identidad propia y una experiencia fresca e intensa al resto de films del mismo género.  La mezcla intensa de terror psicológico, thriller, tensión y drama doméstico es exquisita, se disfruta satisfactoriamente del clímax sexual, siniestro, gótico, de perversidad y maldad humana. La esencia que complementa a “Stoker” nunca lo veremos en un producto 100% americano y es Chan-Wook Park y su equipo quienes hacen de “Stoker”, un film grande. La mayor parte del público no está preparado para visionar películas como esta, llevándose siempre una decepción que ellos mismos crean.

El mensaje principal del film y que es el centro de la historia que se nos muestra en el desarrollo y desenlace final es la perdida de la inocencia del personaje de India, el cambio de personalidad sublime que podemos ver en su rostro, todo llevado a cabo por su atractivo tío quien finalmente saca la verdad que lleva India. Mensaje que muestra cómo la sangre que muchas veces se lleva es más fuerte al salir a flote y mostrar cual es realmente nuestra naturaleza, nuestra genética que corre por nuestras venas sin poder ocultar quienes somos en realidad, en este caso, el instinto asesino.  Aquel mensaje está perfectamente plasmado ya sea por la dirección de Chan-Wook Park como por las actuaciones del dúo protagonista (dejando fuera a Nicole Kidman). Siendo así inmensamente gratificante estar en manos de un director cuya confianza es tal que nos puede llevar a lugares incómodos, siguiendo con entusiasmo en este viaje sólo para ver a dónde conduce. Escenas como la de India y su tío Charlie tocando el piano a plan luz del día refleja todo lo dicho anteriormente, el como India experimenta su primer encuentro sexual que sin tener contacto físico y sin necesidad de mostrar un desnudo sin sentido, se convierte en una escena cargada de erotismo y sexualidad sin perder jamás la elegancia, ni llegando a la obscenidad barata de mal gusto. 

Tras el recorrido de esta retorcida historia (seguida, intencionadamente, siempre por un estructura bastante abierta narrativamente) ver la maldad en estado puro envuelta en un empaque inocente. Siendo testigo de una realidad humana atemorizante, se llega a un final deliciosamente demente en donde podemos entender aquellas palabras profundas dichas en voz en off por la ya adulta India. Aquella espectacular escena inicial es la misma que cierra el film pero esta vez, con otro sentido, haciéndonos volver exactamente  al comienzo. Notamos que todo lo visto no ha sido más que una especie de flashback  para explicarnos el sentido de la escena inicial/final que resume todo el cambio que India experimentó antes de vestir la fina blusa de su madre, el cinturón de su padre y los zapatos su tío y así, comenzar a vivir su vida como la peculiar persona que es. Un final ambiguo, hermoso, profundo y aterrador, insertado por un silencio donde se escucha el viento y vemos la fría mirada de India con su escopeta en mano. El tratado de varios temas como lo es heredar genes malignos (por decirlo), la perdida de la inocencia y por último, dándonos a entender que a veces, por más que queramos negar u ocultar la realidad, los lazos siempre viene entrelazados de forma natural, por más que estos sean horriblemente malos, dementes y perversos. Es sólo realidad.

Los clichés en “Stoker” son necesarios  para armar un verdadero thriller que a pesar de tener un aire a película hitchcockiana por los guiños encontrados en el guión de los cuales todos hablan, sólo se queda ahí, en un leve “aire”. Sí el director coreano comparte con el maestro Alfred parte de la sofisticación en las formas narrativas, junto con el afán por crear infinitas imágenes exuberantes, maravillosas, que parecen sacadas de un cuento soñado perfecto cumpliendo siempre una función específica. Las deleitables transiciones entre una toma y la siguiente (ninguna forzada) y la milimétrica coreografía visual habla por sí sola, demostrando el inigualable talento que tiene Park Chan-Wook tras las cámaras. Los diversos elementos del film van progresando y tomando sentido si se percibe el mensaje de cada detalle. El resultado obtenido en “Stoker” no es uno de esos psycho thriller que se estrenan hoy en día sin dejar huella y que se quedan estancados en los 80’s, 90’s, que a pesar de sí o sí recordar a films clásicos y teniendo la misma mezcla para comenzar una masa casi idéntica a las de Alfred Hitchcock, “Stoker” tiene sello original, tiene clase y es puro cine de tiempos modernos. El film, con cero pretensión y sólo talento de por medio, provoca que sea un auténtico derroche de calidad envidiable  sin perder su naturaleza, calidad y dotes artísticos.

Es fácil notar que Chan-Wook Park estuvo bastante limitado en varias escenas (teniendo en cuenta lo que puede llegar a ofrecer en su tierra natal) ¿Por qué? Porque está filmada en los EE.UU sin embargo, “Stoker” no resta puntos con la hermosa estética de su violencia light casi dibujada. Escenas como la del sótano; cuando India baja a guardar el helado en el congelador con el vaivén de las lámparas que penden del techo, produce que se fluya un pavor enorme en esa oscuridad fría llena de polvo y telarañas (una de mis favoritas) Me hubiera gustado que la relación formada entre India y su tío Charlie se profundizara más, ya que, tanto la parte técnica como la dirección, pedían con fuerza una relación aún más pervertida, siniestra y retorcida, para hacerla más poderosa y así “Stoker” ser un thriller obra maestra de los tiempos modernos (por supuesto una opinión personal de cero importancia para el resultado de la película). Me impresiona mucho que el guión de este film haya sido escrito por el actor Wentworth Miller (el primero en su carrera como guionista) protagonista de la exitosa serie “Prision Break”. Se debe destacar que Miller tiene talento y que su guión “es bueno”. Interesante también que se haya tardado 8 años en escribirlo y que luego pasara a la black list americana como uno de los mejores no rodados, y donde Chan-Wook Park  lo rescató.

El despliegue técnico y estético es impecable. Visualmente “Stoker” es perfecta de pies a cabeza, la atmósfera y ambientación creada seduce sin mayor esfuerzo, su limpia fotografía es delirante como exquisita. El cuidado trabajo de fotografía de Chung-hoon Chung  (OldBoy) impresiona, el poder y belleza que tiene cada imagen no deja de ser increíble, como una pintura perfecta donde los colores y sus más delicados tonos resaltan de forma natural; desde ese bello verde del jardín hasta el delirante color de cabello de la Kidman, se destacan. Siendo así, todo un fascinante deleite visual en el cual nos queda claro que Park Chan-Wook y Chung-hoon Chung juntos, pueden dominar la industria cinematográfica. Otro punto es la destreza del director con la cámara, los movimientos que van captando los mejores planos y enfoques, transformando una mansión como cualquier otra en un paraíso negro y siniestro. El guión en el único punto aparte, una historia fascinante que funciona pero a su vez, no aporta absolutamente nada nuevo tanto al espectador como a la industria. La banda sonora compuesta por Philip Glass es otro de los puntos fuertes de film, ricas melodías son las que hacen que cada secuencia sea una experiencia cargada de sentimientos. Los efectos de sonidos en esas conversaciones a la hora de la cena y la canción que cierra la escena final, reafirman que “Stoker” es una delicia. 

Nicole Kidman, Mia Wasikowska y Matthew Goode son el trío protagonistas en este cuento de hadas gótico de Park Chan-Wook, pero es la joven actriz australiana Mia Wasikowska quien se roba nuestras miradas y se echa por completo la película al bolsillo. Interpretando magistralmente a la inadaptada y frágil India Sotker que vive en su propio mundo y el cual nos mostrará sin miedo ni vergüenza. Mia clava con su fría e interesante presencia y voz, mantiene siempre burbujeante su personaje con una actuación estelar llena de calidad. El actor Matthew Goode es quien aporta inquietud a la película, sus ojos reflejan una mirada diabólica/sarcástica que sale de pantalla, una mirada de esas que son difíciles de olvidar. Goode consigue adaptarse a su personaje, su actuación es digna de los mayores elogios posibles demostrando que es un actor versátil y con carisma capaz de transmitir con su enigmática sonrisa un montón de sentimientos que no dejarán indiferente a nadie. Y por último Nicole Kidman quien con su potente presencia completa el reparto perfecto. Interpretando a la frustrada y sufrida madre de India, Kidman logra quedarse firme en su personaje pero aun así la poca capacidad que tiene para poder expresar al público lo que actúa, es bastante decepcionante porque sabemos que detrás de tanto botox y capas de maquillaje, hay una gran actriz.

En conclusión, “Stoker”  una película bellísima que involucra sentimientos y emociones encontradas con el espectador, su encantador ritmo pausado quema y da en el blanco sin perder el interés. Una brillante y espeluznante metáfora  sobre los genes y la pérdida de la inocencia. El director coreano Chan-Wook Park debuta magníficamente con una película técnicamente poética que se transforma en uno de los films más apetecibles del 2013. De visionado obligado para cualquier amante del cine, y para los fieles seguidores de este director, pues cuidado con las expectativas porque no será un film a cual están acostumbrados a ver, es mejor tomarse el tiempo para ver esta emocionante experiencia, sin anticipación o expectativa. Se darán cuenta que Park está en su mejor momento y que su última película es; descarada, perversa, escalofriante, espeluznante, sexy, erótica, exquisita, sexual, perturbadora, deliciosa, oscura, demente, esplendida, hermosa, dulce, enferma, retorcida, y así, miles de favorables adjetivos que no me cansaría de mencionar porque “Stoker” lo amerita sin lugar a dudas ¿Qué estás esperando para verla? Sé parte de esta historia agresiva e inquietante que comienza al final y nos lleva en un viaje terrible y espeluznante antes de aterrizar justo donde empezamos, ahora viendo cada detalle a través de un lente diferente. Es jodidamente magistral.

Por: David Abraham Basualdo Silva.

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CRÍTICA: KILL LIST (2011)

Título: Kill List.

Dirigido por: Ben Wheatley.

Escrito por: Amy Jump, Ben Wheatley.

Año: 2011.

País: Reino Unido.

Género: Thriller, Crimen, Horror, Suspenso, Misterio.

Reparto: Neil Maskell, MyAnna Buring, Harry Simpson.

Valoración: 7,5/10.

Sinopsis: Ocho meses después de un desastroso trabajo en Kiev que le dejó cicatrices físicas y psicológicas, Jay, un ex-soldado convertido en asesino a sueldo, es presionado por su compañero Gal para aceptar una nueva misión. A medida que se adentra en el oscuro e inquietante mundo de su nuevo encargo, el miedo y la paranoia se apoderan de él y le sumergen en el mismísimo corazón de las tinieblas.

CRÍTICA: Fin de semana con mi mamá (Sábado 1 de Junio) y nada menos decidí ver un par de películas -algunas ya vista por mí y otras no- del género con ella. La cosa es que es después de haber pasado un agradable sábado con cuatro películas entre ellas la exquisita y brutal “I Spit On Your Grave” – 2010, llegó un domingo con muchas sorpresas, y de las buenas. Sí mis queridos(as) amigos(as) porque al finalizar el día tras ver tres películas de un tirón, la última que seleccioné para ver fue “Kill List”. Película británica que compré a fines del 2012 (por ahí por Diciembre si mal no recuerdo) y de la cual jamás me interesé en ver hasta ese fin de semana, que después de tener unos pequeños y pesados problemas con la alabada por los fans del género “God Bless America” (sigo sin verla) en su reemplazo elegí “Kill List”. Decirles que no sabía mucho sobre esta película ni siquiera de que trataba, mi poco interés parte por la leve y estúpida confusión de no saber si era un thriller, slasher, drama de crimen etc. Incluso antes de ponerle play decidimos ver el tráiler y tras verlo yo y mi mamá nos quedamos mirando con cara de “esta será media aburrida pero qué más da, a verla!”. Con cero expectativas, sueño y ya adelantándonos de que sería un bodrio para cerrar la noche le pusimos play igual.

Sin muchas intenciones de profundizar y dejando una que otra duda con respecto a sus personajes principales, “Kill List” parte como una película dramática donde nos muestran a un matrimonio con serios problemas de convivencia pero que al pasar los minutos nos vamos enterando de un par de cosas que la transforman en la típica historia criminal digna de una película protagoniza por el mismísimo Denzel Washington o Michael Madsen.  Admito que los primeros 20 minutos fueron de bastante risa al ver la peculiar relación que tiene este matrimonio (que cause risa es algo un tanto extraño pero los ingleses suelen introducir siempre esa chispa en cada una de sus películas y es eso lo que destaca mucho a cada film que nos estregan ya sea del género o no) las peleas de este matrimonio se tornaban bastante tragicómicas. Los infinitos gritos iban y venían, las cosas de la casa salían disparadas por todo lados, sólo faltaba llegar a un par golpes pero al final eso no sucedía y estos terminaban abrazándose como si nada hubiese pasado, he ahí lo “tragicómico” (destaco la fascinante escena de la cena). En fin, pasan los minutos y poco a poco “Kill List” va dejando completamente de lado ese aire dramático para tomar un camino oscuro, grotesco y brutal que se hará difícil y fuerte de ver.

Ben (director) tiene cero problemas a la hora de filmar secuencias sangrientas con una violencia explícita que te hace sentir extremadamente incómodo y con deseos de pasar rápido a la siguiente escena. Sí, porque Ben entrega demasiado realismo y frialdad en sus tomas, su forma de dirigir es magistral y cada escena está acompañada de unos planos jodidamente perfectos y acertados con los cuales logra impactarnos a través de situaciones sencillas que se tornan insoportables y eternas (en el buen sentido, claro). Tampoco quiero que mal interpreten lo que acabo de comentarles, porque en “Kill List” no nos encontraremos con ese típico festín “gore” exagerado y poco creíble que solemos ver en “Hatchet” o “The Texas Chainsaw Massacre” (por nombrar algunas). La visión que no muestra Ben en su película es de una violencia humana, sádica y fría pero por sobre todo, realista a más no poder, consiguiendo transmitir dolor y desesperación en escenas que no son para nada originales pero que Ben las trata con tanta elegancia que el resultado es impresionante y eficaz. Todo al más puro estilo británico que no siempre tenemos la oportunidad de deleitarnos siendo este uno de los tantos aspectos que hacen de “Kill list” una experiencia muy perturbadora.

Otro punto que me gustaría mencionar es que para mí “Kill List” tiene un aire que hace recordar a las películas de los años 70’s y 80’s, sobre todo a la hora de metraje que es cuando notamos que está un tanto influenciada en películas como “The Wicker Man” o la muy amada/odiada “The Blair Wicht Project”. Es más, fueron estas dos películas las que se me vinieron a la cabeza al terminar de ver la película. Pero esto no quiere decir que “Kill List” tenga una historia similar a las películas mencionadas, para nada, Incluso me atrevo a decir que es mucho mejor a estas dos y a tantas otras del mismo estilo. Creo que Ben siempre tuvo sus ideas bastante claras y también de lo que quería conseguir al rodar “Kill List”, dejar al espectador con ciertas dudas y manipulando en todo momento los puntos de vista que cada espectador tiene con el desarrollo que va tomando la historia. Sí, porque cuando creemos que la cinta de Ben no irá más allá de lo que nos ha mostrado, es ahí cuando el guión se torna impredecible y la trama cambia de una historia “crimen/violencia” a una historia “Grotesca/Satánica”. Este no es el único cambio que se produce en la cinta, no porque si “Kill List” comenzó como un drama de crimen violento, Ben hace que termine como un thriller de horror cargado de misterio.

En los 20 minutos que restan de metraje suceden cosas inesperadas que le dan una vuelta de tuerca a la historia que ya nos estábamos acostumbrando ver y  créanme que esto nadie lo esperaba. Una de las cosas que destaca a “Kill List” es precisamente lo mencionado y fue eso lo que me encantó e hizo que ganara infinitos puntos. Mientras que la película avanzaba, esta te sorprende con pequeños detalles que no necesitan  de un gran o exuberante giro para seguir captando tu atención y catalogarla con una cinta “inteligente”, ya que el film de Ben Maskell ya es lo suficientemente  inteligente, astuto y perturbador desde el minuto en que nos muestran esos extraños y brillantes 15 minutos iniciales. El tramo final es sublime, es la guinda de la torta que disfruté y el cual me dejó de muy mal cuerpo; agobiado, desconcertado y hasta angustiado, sí, porque el desenlace de la trama es tan chocante e impactante que nos deja a uno como espectador, en blanco haciéndote sentir el horrible dolor del protagonista y una impotencia tan grande de saber que todo lo que vimos anteriormente ha sido realizado en vano y sin sentido alguno. Este es uno de esos finales que al ser tan cruel e injusto no lo disfrutas del todo y en su lugar te deja inquietado con esa sensación exquisita que pocas veces logras sentir en una película. 

El reparto de “Kill List” es increíble, una auténtica maravilla donde logran actuaciones perfectas, desgarradoras y asombrosas. Todos los personajes están interpretados con mucha pasión y una dedicación absoluta, el nivel de interpretación al que se someten y el realismo por parte de los tres actores principales traspasa la pantalla haciéndote olvidar que estás viendo solo una "película". Su protagonista, el actor Neil Maskell quien interpreta a Jay, se luce con una actuación soberbia, desquiciada y muy perra. Su personaje es complicado de describir porque hablamos de un hombre con una personalidad extraña con frecuentes cambios a lo largo del film, cambios que impactan pasando de ver a un hombre de familia aproblemado a un asesino sin temor ni sentimientos. Por otro lado tenemos al actor Michael Smiley quien interpreta a Gal, el mejor amigo de Jay. Michael también se luce y desde que aparece en pantalla le tomamos un fuerte cariño aportando mucho carisma, su relación con Jay es todo un drama psicológico que se disfruta. Y por último está la actriz MyAnna Buring a quien vimos en “The Descent” 2005, ésta interpreta a Shel la posesiva esposa de Jay. Personalmente pienso que Buring se manda el papelón de toda su carrera hasta ahora, con un personaje potente y especial que cada vez que entra a escena deja la grande.

Su factura técnica no da para destacar y tampoco es algo a lo cual le prestaremos demasiada atención a la hora de visionar la película. Las localizaciones escogidas son decentes muy acorde con la trama y las situaciones que se presentan, al igual que la fotografía que a pesar de no ser la gran cosa está muy cuidada. Si hago una mención especial a la fotografía que se ve en los últimos 20 minutos donde se muestra un ambiente diferente (y más disfrutable) que en su comienzo. En cuanto a efectos especiales no hay, sólo unos excelentes juegos de cámara utilizados en las escenas de mayor violencia que gracias a eso consiguen unos resultados fascinantes inquietando lo suficiente. El guión no es original pero tampoco cuenta con uno de esos argumentos trillados como para predecir la historia a los primeros 15 minutos. Giros no hay pero si cambio de género que hace de este guión; astuto, oscuro y en varias ocasiones, inteligente. La banda sonora me gustó a pesar de no ser memorable, el hecho de no abusar y no utilizar esos pesados “sonidos fuertes” hacen que se gane mi aprecio, incluso hay escenas en donde no hay música y solo podemos oír la respiración de los protagonista y/o también un silencio que acapara a la perfección la tensión que se está mostrando al punto de darle aun más realismo.

En conclusión “Kill List” es una de esas películas que dejan cicatriz para ser siempre recordadas y recomendadas con el pasar de los años, de visionado obligado para todos aquellos amantes de este tipo de películas que personalmente cuesta demasiado catalogarla con un sólo género,  porque al verla te das cuenta que no solo se trata de sustos y sangre fácil, sino que de buen contenido que requiere más de un subgénero logrando un resultado maravilloso. Acá la violencia está más que justiciada no es para nada gratuita como nos lo hace pensar el director en varias ocasiones al evitar profundizar en ciertos aspectos del guión, que aun así, si se le presta la mayor atención nos vamos a dar cuenta que esas ciertas “lagunas” de la trama no son realmente preguntas sin respuestas. En fin, no sé si aquel día andaba muy sensible pero “Kill List” me dejó plop, como dije antes, una pieza genuinamente aterradora, extremadamente perturbadora y cruda. Jamás se me pasó por la cabeza que me iba a dejar mal tanto física como psicológicamente, una espectacular sorpresa que se lleva el enorme reconocimiento como una de las mejores películas del 2012. Ahora me doy cuenta que a veces las mayores sorpresas del cine están donde menos lo pensamos y “Kill List” es sin lugar a dudas uno de los mejores films británicos que he visto. Ahora a Ben Wheatley le sigo los pasos y me voy rajado a ver su nueva película, la comedia negra "Sightseer" recomendada por mi querida amiga Misterror.

PD: Kill List es una película que no TODOS sabrán entender ni llevarle el ritmo a lo que nos desea mostrar su director, pocos son los que la entienden por lo que no doy por hecho que después de leer esta crítica sientan lo que sentí yo (para lo que no la han visto, claro).

                                         AQUÍ LES DEJO EL TRÁILER:

CRÍTICA: "EVIL DEAD" (REMAKE - 2013)

Título: Evil Dead

Dirigido por: Federico Álvarez.

Escrito por: Federico Álavarez, Diablo Cody, Sam Raimi, Rodo Sayagues.

Año: 2013

País: Estados Unidos.

Reparto: Jane levy, Shiloh Fernandez, Lou Taylor Pucci, Jessica Lucas, Elizabeth Blackmore.

Género: Horror, Thriller, Gore, Terror.

Valoración: 9,5/10.

CRÍTICA: Primero que nada, por fin la horrible espera de dos años se acaba de terminar el pasado Jueves 18 de Abril. Decir que estaba como un perro desesperado por ver "Evil Dead" es muy poco pero muy POCO, créanme cuando lo digo. Ahora sin más, después de haber digerido muy bien la cinta durante estos 3 días y decirle a medio mundo que al fin visioné la película que más he esperado en toda mi jodida vida puedo compartir con ustedes queridos amigos mi opinión al respecto. Lo primero que diré es que aún estoy perplejo por la experiencia que viví ya que es un tanto inexplicable porque esta cinta está tan cargada de lo que uno siempre espera veral que te deja en un estado de shock y confusión total. Y sucede que las altas expectativas que tenía con este remake eran más que altísimas (también decir eso es poco) no se imaginan las veces que vi el teaser tráiler y el tráiler oficial, las veces que me imaginé como sería cada una de las escenas mostradas en esos dos minutos, las veces que pensé como sería estar sentado en el cine con mis ricas palomitas y gaseosa. Y cuando este Jueves me fui al cine, con honestidad no sabía exactamente lo que iba sentir al verla porque de que estaba emocionado, lo estaba pero tenía ese pequeño miedo de que me llevara a la decepción como ya me ha ocurrido en mas de una ocasión después de esperar tanto un film. Pero bueno la gran pregunta es ¿Cumplió Evil Dead todas mis expectativas? ¿Ha valido la pena los dos años de espera? ¿Es una de las experiencias más aterradoras que he vivido? Pues eso se los responderé a continuación.

“Evil Dead” es una de esas extrañas cintas que por alguna razón muy coherente (para mí) se meten en mi cabeza y de ahí no sale mas hasta llegar al punto de obsesionarme, ser muy fastidioso y estresante hablando, comentando y pensando en ella. Bueno, tampoco es algo tan tan tan raro ya que estamos hablando de una película que es un remake de un clásico en el cine de horror y que gracias a ello tiene toda la atención que hoy acapara hasta las masas. Y ya que estamos hablando de un remake me voy a sincerar diciéndoles que no había visto ni me interesaba mucho ver la original (no me juzguen por eso chic@s) pero hubo un momento en el que me dije a mi mismo ¿David, cómo vas a criticar el remake sin antes ver la original? Gran pregunta ¿no?  Sin dejar a un lado que también se me pasó por la mente que al ser uno de los clásicos con mayor referencia en el género, si no veía la de Raimi antes de ver este remake no seguiría siendo verdadero fan del horror. Entonces para que no pensaran eso hace unas tres semanas atrás me vi este elogiado clásico y puedo decir ahora sin miedo que no fue lo que esperaba porque no me voló la cabeza al punto de tirar cohetes por el cielo como comentaban algunos, ni tampoco fue una decepción total para echar al olvido, simplemente no fue para tanta parafernalia como escuché y leí por años (aunque pienso y no sé qué hubiera pasado si la hubiese visto hace unos 7 años atrás).

Pero no estoy para hablar de la original si no que de su tan esperado remake así que me voy a dejar de historias absurdas y me voy a lo que a ustedes les interesa aunque no sé muy bien por dónde y cómo comenzar, pero que salga lo que salga como siempre. Sólo sé que con las luces apagadas, poca gente en la sala, ambiente tranquilo, yo dispuesto a entregarme por completo ante este show y con un silencio que inquietaba a toda la audiencia (me incluyo en eso, of course) comenzó la película. Ante todo decir que personalmente creo que como remake no funciona en lo absoluto, sé que muchos fans de la trilogía se verán sumamente decepcionados a la hora de ir al cine y esperar escenas y personajes de la cinta de 1987 ya que muchas de las cosas esenciales que hacen de la cinta de Raimi "especial", éste remake no las tiene. Como les decía, no tiene nada que ver con la original a no ser por parte de su argumento que vendría siendo sólo la idea principal; el libro de los muertos y los demonios que se liberan al leer éste mismo, de ahí a otra cosa, nada más. Si funciona a la perfección como otra película de horror más a nuestra colección, es mas, creo que para la nueva generación que no tienen idea de la cinta dirigida por Raimi, es la mejor opción para conocer y ver una de las ideas más interesantes, entretenidas y macabras en una película del género. Y ojo que pensándolo bien (y sé que mucho estarán de acuerdo) en vez de haberla vendido como remake, lo hubiesen hecho como un reboot porque a mi parecer eso es lo que es sin lugar a dudas. 

Ahora voy a partir comentando lo malo. Sí, porque no por ser una de películas que más esperaba no va a tener fallos o puntos negativos, lamentablemente ésta los tiene y no puedo hacerme el tonto de dejarlos pasar y no comentarlos, por lo que voy a a partir con lo más negativo o mejor dicho con lo que no termina de convencer. Primero que nada, la otra parte del argumento es algo de lo cual se ha hablado demasiado y uno como gran cinéfilo y seguidor del género tenemos claro que éste es bastante flojo, simple, trillado y nada del otro mundo. Creo que eso de “chica drogadicta va a una cabaña a desintoxicarse con su grupo de amigos” está más que visto y tomarlo para una película de hoy en día es tomar el camino más fácil (mediocridad) sin tener intenciones de al menos crear algo más original e innovador para nosotros como espectador. Lo triste es que Fede Alvarez (director) y los otros tres miembros encargados de escribir el guión no se inmutan en sacarle siquiera un poco más de provecho a la historia, cosa que este argumento (que ya es lo bastante pobre) merecía y pedía a gritos una buena e inteligente sacada de provecho. De haber sucedido eso, creo que hubiésemos hallado ese toque “innovador” del cual les hablo. Y es que al pasar los primeros 20 minutos no se pasa del tema de la droga y se torna muy forzado para llegar a la situación “infernal”.

Evil Dead toma una de los guiños más usado en este tipo de género, hablo sobre comenzar una cinta con una escena llamativa y luego dejarla sin término para retomarla a mitad de camino. Es así como comienza “Evil Dead”, de inmediato con una escena de apertura “en partes” simplona (argumentalmente hablando) pero lo suficientemente brutal  e impactante en el aspecto visual para dejarnos pidiendo litros de agüita queriendo ver más y más sin mucha paciencia. Y como es de esperarse después de una entrada súper jugosa se pasa a la descafeinada pero no poco interesante introducción de personajes donde nos presentan sin mayor esfuerzo a las cinco víctimas para conocerlas un poquito pero muy poquito sin intención alguna de profundizar, lo que es una pena porque si hubiesen profundizado en ellos lo necesario (siendo que con 20 minutos lo podían hacer de sobra) se hubiese logrado una conexión aún más fuerte de la que se obtuvo con cada uno de estos jovencillos a la hora de lo "intenso". Junto con toda esa incompleta presentación de personajes nos plantean la “razón” por la que este grupo de amigos va a esta cabaña (de lo que hablé hace unos minutos atrás) y ya pasado todo eso entran a escena los demonios y es ahí cuando nos olvidamos por completo de todo lo visto antes y nos enfocamos a más no poder en el espectáculo diabólico y bizarro que nos entrega Álvarez.

Para muchos de lo que pensaron que el tráiler mostraba lo mejor y que a la hora de verla la cinta poco y nada nuevo íbamos a ver, pues queridísimos amig@s mí@s déjenme decirles que todos aquellos estaban muy equivocados (e incluido yo que alguna vez también se me pasó por la mente)  Es en el momento de estar sentado en el cine viendo casi ya 40 minutos de metraje cuando te das cuenta que la película es y será realmente un no parar de emociones extremadamente violentas y fuertes y que tiene mucho más por mostrar y sorprendernos. Eso Alvarez lo demuestra con la primera escena potente que logra producir en uno un asco tremendo que se disfruta con mucha euforia, y desde ahí los demonios liberados por el curioso profesor Eric se toman con mucha autoridad la cabaña; la sangre y las extremidades cortadas brillarán con un rojo que te hará poner los pelos de punta, tanto así se apoderarán de la pantalla que te harán correr SÍ O SÍ la mirada hacía el suelo con un risa placentera de pura satisfacción al ver que esto no es mas que un sube y baja de emociones donde serás testigo de las aberraciones más macabras que se han visto en el cine de los últimos años. El realismo y la intensidad que introduce Álvarez en cada escena (que en eso están incluidas las actuaciones y el maquillaje con sus efectos) hacen que Evil Dead resulte hacerte sentir dolor y sufrimiento cuando uno de los protagonistas se está haciendo daño.

La cinta a sus ya 40 minutos de duración consigue aún más atención e interés por saber qué más horroroso y delirante nos tiene preparado Álvarez, si por lo visto hasta el momento  hemos creído ya haber visto los peores y más desquiciados acontecimientos (personalmente sin siquiera llegar a la hora de metraje  yo me daba más que por satisfecho y pagado con todo lo que me había entregado Fede, y para que eso suceda imagínense como será) El suspenso, la tensión y el impacto son factores que no desaparecen siquiera en un mísero segundo de tiempo, todo lo contrario. Éstos están presente desde  el  momento en que el libro es sacado a flote, y que mejor que recordarlo con una de las escenas magistrales y mejores logradas de todo el metraje que sin duda dará mucho que hablar y que a más de alguno les incomodará hasta a arrugar la cara y apretarse las mejillas de los nervios y dolor. Hablo de la escena del vomito de sangre y del baño en donde unos de las féminas (en este caso hablo de la hermosa Jessica Lucas) se está haciendo daño estando ya poseída por uno de los demonios.  Es ahí donde Evil Dead demuestra que es, e intenta ser un producto serio y oscuro sin intenciones de ser una copia exacta de la original, con unas sutiles pero muy sublimes vueltas de tuerca a la historia en sí y a cada una de las escenas míticas que los fans conocen de la cinta de 1987, haciéndonos entender que los que estamos viendo no es más que un espectacular homenaje a “The Evil Dead” 1987 del respetable Sam Raimi.

Ya en el tramo final se ve absolutamente de todo los poseídos hacen de las suyas con ellos mismos de una forma increíblemente perra - POSIBLE SPOILER- lengua cortada en dos con un cutter (delirante), una pistola de clavos que es usada sádicamente (salvaje), quemaduras de segundo grado (macabro), un beso lésbico sangriento (retorcido), brazos cortados por un corta-carne y otro que es echado a volar de un sólo escopetazo (enfermizo), una mejilla cortada con un pedazo de vidrio (alucinante), dedos rebanados  y puñaladas (doloroso) y ufff mucho pero mucho más - FIN SPOILER. Y aunque no me lo crean eso no es todo, no señores porque si todo lo anterior ya es de lo más retorcido, grotesco y enfermo, el final es simplemente para flipar (como dirían mis amigos españoles) de forma única hasta delirar y ver burritos verdes en el cielo. Álvarez saca su última carta que tiene bajo la manga y la lanza a la parrilla para cerrar su película con una secuencia que nos llega a revolucionar enteritos con ganas de sacar la lengua lamer la pantalla y darle gracias a este hombre por entregarnos pedazo de cinta y pedazo de final. Lo que hace su protagonista es de no creer, la forma en que actúa y transmite toda esa angustia e impotencia al público tras todos los horribles acontecimientos sucedidos en la cabaña, es...... magistral. Es para sacarse el sombrero y no decir ni pio hasta retirarte y llegar a casa. Esos últimos diez minutos de metraje no dan respiro y te dejan pegado a la butaca del cine sin tiempo siquiera para parpadear o acomodar el culo del asiento.

Ahora adentrémonos un poco en su factura técnica que merece reconocimientos e infinitos elogios. Mencionar su excelente puesta en escena que brilla a metros de distancia y es uno de los puntos fuertes del film al igual que su ambientación que consigue con elegancia un clímax siniestro, frío y aterrador que no se desvanece hasta que salen los créditos. Toda la localización elegida es acertada para cada escena  y a pesar de que toda la película transcurre en la cabaña ésta jamás se torna repetida y cansadora de ver. Del guión no hay mucho que decir, bastante pobre y vacío. Recuerdo que Álvarez en una entrevista dijo que había cero uso de CGI en su película, eso es cierto en un 90% porque hay uso de CGI pero sólo en pequeños detalles de terminación como lo son algunas secuencias; la del fuego, parte de las secuencia de la mejilla cortada, entre otras. Lo demás está todo hecho al 100% a la antigua usanza, lo que es más que destacable apreciar durante todo el film el arduo trabajo y esfuerzo de todo el equipo encargado del maquillaje y los increíbles efectos artesanales (sólo fíjense lo que consigue la grotesca pero fantástica escena en la que Natalie se corta el brazo con el corta-carne, el efecto es maravilloso y su resultado... enfermo y brutal).  La banda sonora que está compuesta originalmente por el español Rogue Baños es un tanto peculiar, cada pista acompaña a pasos cercanos toda la acción pero a veces esos altos tonos de piano y violines resultaban un poco exagerado para algunas escenas que no necesitaban de sonido alguno.

Y por último hablar el reparto de actores. Nunca me había interesado tanto por un reparto de una película de horror, como lo hice con éste. Sinceramente no sé qué tienen pero  antes de que se estrenara la película ya les había tomado mucho cariño. En fin, de protagonistas tenemos a  la casi novata actriz Jane Levy quien brilla como la nueva ASH en el papel de Mia, la joven drogadicta que se verá envuelta en una situación horripilante y que es la más afectada a la hora de ser poseída. Levy se roba la pantalla pero sin dudas lo hace increíble como poseída, incluso mucho mejor a cuando no lo está (se rumorea que llegará a los Oscar). Junto a ella la acompaña el actor Shiloh Fernandez (“DeadGirl”) el joven David hermano de Mia que tendrá que enfrentarse a sus miedos dejando a un lado su cobardía para salvar a su hermana de las garras de los demonios (Se decía que él sería el Nuevo Ash pero eso es una mentira, ni siquiera coge la motosierra durante todo el metraje) Correcto en su papel aunque en momentos la falta de interés por su personaje era bastante notoria. Por otra parte tenemos a los dos actores secundarios que acompañan a los hermanos, comienzo por Lou Taylor Pucci  (“Carriers”) quien es Eric el profesor que queda encantando con el libro de los muertos y el culpable de liberar a los demonios. Pucci como siempre un genial actor conocido en el género y uff sufre demasiado en esta película. Agradable de ver pero ya cansa  un poco verlo siempre en el mismo papel del tipo “nerd”.

Quien acompaña a Pucci como su pareja secundaria es nada menos que otra vieja conocida de la casa, hablo de la despampanante Jessica Lucas (“Cloverfield”, “Amusement”) quien interpreta a Olivia la enfermera, mejor amiga de Mia, David y Eric. Lucas actúa con bastante realismo sobre todo en las escenas de más fuerte contenido, su personaje a pesar de ser secundario tiene mucha importancia en la trama y a lo largo es ésta deja a su paso una serie de eventos que dejan mucho que desear. Su nombre y su muerte serán bastante recordados. Por último tenemos a la desconocida actriz Elizabeth Blackmore (éste sería su primer largometraje) quien es Natalie la novia de David. Esta chica resultó ser toda una grata sorpresa, su actuación estuvo muy correcta aunque a veces un POCO sobreactuada pero eso no le quita ningún mérito. Su papel es bastante pequeño y su participación pasa casi desapercibida pero créanme que en las escenas que aparece son una de las más gore y perras del film. En resumen, estos cinco jóvenes actores han sido los indicados para actuar en esta nueva “Evil Dead”. Estos nuevos poseídos tienen su propio carisma y toque único que los destaca. Sus personajes siempre serán recordados con mucho cariño; Mia la patética y desquiciada poseída. David el hermano cobarde y supuesto nuevo “Ash”. Eric el curioso profesor nerd culpable de liberar a los demonios. Olivia la enfermera de la gran mejilla cortada, y Natalie la chica que se corta su propio brazo y se clava clavos en su cara. 

En conclusión, “Evil Dead” remake 2013 resulta ser todo un verdadero orgasmo de horror extremadamente exquisito, brutal, maravillo, inquietante, increíble, sádico, enfermizo, loco, alucinante, delirante, gamberro y unos cuantos adjetivos más que podría estar un buen rato nombrando. Para todos amantes del género no decepcionará y es de un visionado obligado. Un supuesto “remake” que no supera pero si logra con esfuerzo estar a la altura de la original sin tener necesidad de copiarle absolutamente nada en cuanto a guión, desarrollo y escenas se trata. Es una cinta que no innova nada en lo más mínimo, que carece bastante de originalidad pero que a pesar de todo eso se disfruta a concho y te entrega un alto contenido de sangre y gore hasta por doquier de forma sublime y lo mejor, es que somos muy afortunados de poder ver un espectáculo de éste calibre en pantalla grande. Todo un festín gore de lo más gamberro y salvaje que hasta ahora ningún film se atrevió ni logró mostrar durante los últimos 13 años, que sin lugar a dudas será recordada y comentada en grande tal cual lo han hecho hasta ahora con la original de Sam Raimi hace varios años, de la cual está basada. Yo aconsejo que si realmente la quieren disfrutar y pasar una de las experiencias más maravillosas que te puede regalar éste género que tanto amamos, pues olvídate que es un remake y anda al cine con la mentalidad de que no es más que una reinvención del clásico de horror (tal como dice su eslogan  que nos lo deja bien claro “una NUEVA VERSIÓN del clásico de horror”).

¿Y resulta ser la experiencia más aterradora que vas vivir? Mmm… pues “en partes” sí que lo es. 

                                      AQUÍ LES DEJO SU GENIAL TRÁILER:

CRÍTICA: BRANDED (2012)

Título: Branded.

Dirigido por: Jamie Bradshaw y Aleksandr Dulerayn.

Escrito por: Jamie Bradshaw y Aleksandr Dulerayn.

Año: 2012

País: Rusia, USA.

Reparto: Ed Stoppard, Leelee Sobieski, Max von Sydow, Mariya Ignatova, Andrey Kaykov.

Género: Sci-fi, thriller, drama, suspenso, misterio.

Valoración: 5,2/10

Sinopsis: Un oscuro y alucinante viaje en una sociedad distópica donde las marcas corporativas han pergeñado una monstruosa conspiración global para entrar en las mentes de los ciudadanos y mantenerlos desilusionados, dependientes y pasivos.

CRÍTICA: “La paranoia es sólo tener la información correcta", “Las vacas sagradas hacen las más sabrosas hamburguesas”, “Es más fácil engañar a la gente para convencerlos de que han sido engañados”. Estas son unas de las cuantas frases que no tienen fondo y que complementan a “Branded” (también conocida como “The Mad Cow” y “Москва 2017”) la extraña película que se ganó bastantes puntos a su favor haciéndose publicidad con fascinantes pósters, tráilers, banners y clips, acaparando unas cuantas miradas alrededor del mundo para ser unos de los títulos de sci-fi más interesantes para tener en cuenta de ver este año. Branded es una película independiente que nos llega desde Rusia hablada en idioma inglés, que pertenece al género thriller de ciencia ficción, y está escrita y dirigida por el debutante Jamie Bradshaw y Aleksandr Dulerayn. El día de ayer pude ver esta película que me atrajo desde el primer momento cuando salió su primer póster que me pareció misterioso, y de a poco comenzó a ganarse mi interés por su aspecto de thriller oscuro mezclado con un mundo irreal futurístico en que se mostraba de forma distintas a otras de su misma clase. Rara vez países como Rusia nos entregan y se dan el trabajo de realizar una película de este tipo con aires de súper producción hollywoodense, aunque la película es una co-producción entre Rusia Y Estados Unidos, de éste último tenemos sólo el idioma y a los actores que participan, el resto del crédito va completo para el país Euro-Asiático. En fin, a pesar de que la sci-fi no sea mi género predilecto, cuando leí la extraña sinopsis de Branded y vi su increíble tráiler que mostraba cosas jugosas para deleitarse un buen rato, la apunte con prioridad.

Con gigantescos guiños de “Están Vivos” de Jonh Carpenter,  Branded nos introduce en el intenso y poderoso sistema donde las grandes corporaciones del mundo entero activan un código genético en el ser humano que van desencadenado una astuta conspiración mundial para poder controlar las mentes de las personas, manteniéndolos en un estado de suma dependencia y pasividad ante todo lo que les rodea y enfocándose únicamente en los productos que éstos fabricaban, principalmente en la comida rápida, haciéndolos engordar y creer que esa es la verdadera belleza que debe habitar en una persona. Pero nada se les hará fácil y el terrible éxito se verá en peligro teniendo a Misha en su camino. Un inteligente hombre que trabaja para una de las corporaciones, pero que no es parte del mayor procedimiento que se crea contra la civilización en el que día a día van trabajando para tener en sus manos el control de todos nuestros deseos. Cansado de todo este control, Misha se propone hasta lo imposible para desvelar la conspiración oculta que existe y desenmascarar a los responsables que están detrás. Lo que no sabe es que desatará una peculiar batalla con las fuerzas que realmente controlan el mundo, haciéndolo dudar de que si es real o parte de su imaginación tras su estrés. A causa de esta agobiante situación, la capacidad mental de Misha se verá envuelta en un estado de imparables alucinaciones creando un gran problema que lo transformará en un hombre trastornado con serios problemas mentales. Esto lo alejará de las cosas mas importantes que forman parte de su vida, por lo que su lucha estará divida en dos y optará por sacar a flote la verdad y recuperar todo lo que perdió. ¿Logrará Misha la complicada misión?

Branded arranca con una introducción de lo más normal, sin parafernalia alguna. En un comienzo pensé que me había equivocado de película porque me vienen con un mini cuento de niños que no entendí. Mientras se va dando la apertura para la historia, de la nada entra la voz de una mujer que va narrando la historia de Misha cuando era un pequeño niño con ganas de surgir, y de como fue creciendo hasta llegar donde esta, ósea, al exitoso mundo del marketing. Aquella sutil voz narrando la vida del protagonista con unos flashback de cortes acertados, me pareció sublime. Para cuando ya estamos familiarizados y nos sabemos todo de tal Misha esperamos zamba y canuta pero nada de nada, seguimos con un recorrido personal; la historia de amor (que nunca imaginé ver) problemas de trabajo y discusiones entre colegas. Era como ver un drama de empresas de renombre en que van relatando los proyectos que tiene en mente y ese blah blah blah que conlleva una cosa a la otra, con uno que otro momento interesante que da por destilar oscuridad atrapándonos genuinamente con el tema de la perfección en las marcas y las técnicas que van usando fríamente para lograr su cometido. La cuestión es que para pasar a lo que nos muestra el tráiler nos tienen que cambiar de enfoque con un pequeño remesón que nos deja en blanco. Muestran una secuencia en donde Misha se “muda” a una granja y allí tras una visión divina (WTF) realiza una especie de ritual ancestral llamado “El sacrificio de la vaca roja” que lo purifica del pecado del oro (de todo) y con eso puede ver cosas que los otros no pueden. Y de regreso forzado a la cuidad se da cuenta que ve a unas coloridas y malignas criaturas impregnadas en la gente.

Tragada una hora exacta de metraje híper aburrida, es cuando recién la cuidad entera se llena de esta especie de criaturas dulces que fueron un humilde deleite para mi ojos. He ahí con la aparición de aquellas cosas donde todo cambia, se entra en una atmosfera de suspense en que nosotros nos perdemos cayendo a un abismo por lo que se ha mostrado anteriormente. La introducción de las criaturas no termina de encajar siendo que es lo que uno mas espera de la película junto con el argumento retorcido (donde están criticando un tema sugestivo como lo es el marketing de las empresas) que no se logra jamás estancándose en una historia extremadamente simplista y para rematar no aprovechan la presencia de estos monstruos. El partido que le sacan es nulo tras volver a introducirnos en los cargantes problemas familiares del protagonista que no nos interesan y queda muy idealizado mostrando características de él con toques divinos ridículos que no atribuyen en nada, menos no contando con una explicación detallada. El pobre cuento psicológico es un elemento que tampoco uno consigue pillarle el hilo para ver de otro punto de vista la situación que se va planteando. El núcleo central (que debería ser lo entretenido) se pierde al haber trasladado de manera errónea a un corto cuento de film campesino con aires de época antigua. Esto produce un sentimiento de rabia por la escasa falta de ideas para sobrellevar la cinta y saber equilibrarla con toda la necedad que han insertado. El ritmo pausado melodramático termina por enterrar por completo película, la extendida hora que se toman los amigos Bradshaw y Dulerayn para empeñarse en convencernos de que esto es una de ciencia ficción no cuaja ni en sueños.

El desarrollo que se torna tedioso es para no creer, no tiene gracia y sabor alguno para captar nuestro interés por seguir en este recorrido futurista. Las secuencias llamativas contadas con el dedo no tienen el peso suficiente como para hacernos dejar la infumable hora anterior y empezar de nuevo viendo si es posible divertirse siquiera con los 20 minutos que restan esperando que nos sorprendan con algo que sea. Lastima que luego siguen con decisiones poco acertadas. Ya cuando nos están encaminando al tramo final, de desata toda la parafernalia que vimos en el tráiler, la guerra entre las marcas se abre y aparecen todo tipo de criaturas; figuras con forma de helado de cono con ojos malignos que producen un ruido similar al de la morsa, gomitas de caramelo descompuestas con dientes afilados, una clase de dinosaurios voladores y otras que parecen pelotas de esmog voladoras. Si hasta el envase de la coca cola toma vida y se transforma en una especie de alíen refunfuñando como león (y a todo esto, la especial voz de la mujer sigue narrando todo lo que va sucediendo y lo que hace Misha). Finalmente Misha tras haber dejado su trabajo y retomándolo cuantas veces quiso como si nada después de su paso por la graja (siendo que no era dueño o jefe de la empresa) consigue destruir y sacar a flote la siniestra conspiración. Las empresas más poderosas van cayendo una por una porque curiosamente en las visiones de protagonista otras criaturas “buenas”  destruyen comiéndose a las “malas”. Así es optan por hacer desaparecerlas (ilógico) hasta no quedar ni una sola. La cuidad se deshace de los carteles/publicad y todo vuelve a la normalidad con un insoportable final feliz. Micha recupera a su familia (Si, porque tenía mujer e hijo, así de culebrón venezolano a sido esto)

De protagonista tenemos al inglés Ed Stoppard el nombrado Misha. El actor hace una buena interpretación, se entrega para el papel consiguiendo una actuación solida y creíble, es fácil conectarse con él en sus momentos de paranoia y sobretodo cuando visualiza a las criaturas. Su personaje pasa por un cambio de registro muy similar al de Stephen Meyer en la reciente “The Barrens”.  En el lado femenino está la hermosa Leelee Sobieski (“The Glass House”, “Joy Ride”) soberbia y refinada como siempre.  Sobieski interpreta a Aby la enamorada de Misha e hija del jefe de éste.Su personaje es bastante plano y no se profundiza en él (al igual que los demás) cae bomba en ocasiones, un tanto bipolar con las reacciones que expresaba pero para que buscarle las cinco patas al gato, si su actuación es correcta y ella no es el problema. El veterano actor Jeffrey Tambor es el padre de Aby y jefe de Misha. Si bien no tiene mucho protagonismo y no alcanza a estar en la hora de metraje, su presencia siempre en bien recibida. Actor con tantos títulos a su espalda es imposible que actúe mal, por lo que sobra el decir que lo hace bien pero está desaprovechado. Y por ultimo Max von Sydow, el famoso actor sueco más conocido por interpretar al Padre Merrin en el clásico de terror “The Exorcist”, hace su breve aparición en esta película. Acá su personaje es el supuesto “malo” de la historia, el que dirige una de las empresas que conspira contra todos y crear abundantes ideas para enriquecer su prestigio y reputación en el mundo del marketig. Otro que pasa desapercibido quedando cómo un simple secundario, aunque recordando con profundidad, no aportada nada la trama pero aporta ese toque especial con lo poco que expresa. Ah y la mujer de la voz perfecta es un completo misterio que ya desvelaré.

Su apuesta en escena general es lo que rescata a la película del hoyo en el que se encuentra. Su fotografía profesional obtiene lo necesario y es 100% acorde con todo lo planteado, la ambientación esta recreada con sutileza y no tiene cambios a lo largo del desarrollo, se mantiene con ese color gris azulado durante toda la película. No es que le reste mas puntos al fin y al cabo la imagen de las oficinas y ciudades requieren de esas tonalidades que son los habituales. Los planos enfocados y movimientos de cámara están bien manejados, por lo que en este aspecto no hay nada que decir de Bradshaw y Dulerayn, la falta de experiencia ha pasado desapercibida. Los efectos especiales abundas sobretodo el uso del GGI, pero aunque les parezca raro, no se han sobrepasado o exagerado con ellos. La recreación de las criaturas no es del todo creíble y no tienen la necesidad de llegar a tal punto, el prototipo que le han dado es creativo y original, el hecho de basarlas en cosas cotidianas de nuestro diario vivir me pareció fabuloso, sin lugar a dudas es lo mejor de la película y me quede encantado con ellas. El guión peca en originalidad, frescura, innovación, desarrollo, ritmo y en su base que es lo principal, convirtiéndolo aun más inverosímil de lo que es. Posee de tantos elementos cautivadores e interesantes que se malgastan sin tener el conocimiento de como aplicarlos con un fundamento solido. La banda sonora desafortunadamente  no es la del tráiler, no mantiene ese sonido de tensión con el cual uno se altera. Abusa y se apega demasiado de las persecuciones. No logra un equilibro lineal para conectar la imprescindible conexión entre sonido/imagen. Una composición fracasada que bebe descaradamente de melodías usadas en películas conocidas como "Alien", "terminator", "Star Wars", etc.

En definitiva, “Branded” es una de las decepciones mas grande de este 2012, es una película pretenciosa que se hunde y cae en su propia ambición que te conduce por un camino no muy bueno, mas bien a uno donde la parada no se encuentra y su búsqueda se torna desesperante. No cumple absolutamente nada de lo que prometió, se queda ahí sin siquiera entretener y tener una base firme de donde sostenerse. Se desentona de manera brusca, es cansadora y rutinaria no hayas por donde entrar para seguir con su visionado. Tal cual como dijo Charlie Jane Anders “todo lo que has oído y mirado acerca de Branded  es una falsa publicidad”. La gran culpa la ha tenido el tráiler el cual en dos minutos y medios mostró todo lo que es gloriosamente bueno y que parezca una versión extraña y surrealista de “Están Vivos”. Sin mencionar que lo “glorioso” se reparte en dos horas (y con eso lo digo todo). Gracias a eso uno como espectador ansioso nos hace querer ver de una maldita vez lo que se nos está vendiendo pero por desgracia, en lugar de ser una película de monstruos fresca y divertida, “Branded” es una conferencia verdaderamente triste en la fase final del capitalismo, en el que, básicamente, la lógica se va por la ventana. Los pocos momentos de interés los absorbemos con tanta desesperación, que igual  dejan con gusto amargo y el final lo digieres como no tan rebuscado pero si apresurado que no es del todo satisfactorio. Por más que quisieron dejar lo mejor para último momento, no les resultó. Yo no la recomiendo ni para pasar el rato, sigo viendo el tráiler y me parece impresionante que la película sea una cagada gigante. Lo peor de sci-fi que falló al mezclar tanto género junto sin tener mucha experiencia para lograr el taquillazo que merecía esta grosa idea.

Extra: La escena en que aparece un póster de residente vil 3 con la silueta de Milla Jovovich un tanto gorda, eso me gustó. Luego muestran a  la que supuestamente iba relatando la película que se une con la escena inicial. No me lo creí, sacando la conclusión de que fue como la madre o algo así. El efecto comedia de su comienzo es algo que no le queda ni por las tapas. Y no crean que si no ven el tráiler el resultado será mejor, la película seguirá con el mismo efecto.

                                            AQUÍ LES DEJO EL TRÁILER:

CRÍTICA: WRONG TURN 5: BLOODLINES (2012)

Título: Wrong Turn 5: Bloodline.

Dirigido por: Declan O’Brien.

Escrito por: Declan O’Brien.

Año: 2012

País: USA

Reparto: Roxanne McKee, Camilla Arfwedson, Simon Ginty, Oliver Hoare, Amy Lennox, Pablo Luebke

Género: Terror, Slasher.

Valoración: 4,9/10

Sinopsis: En una pequeña ciudad de Virginia Occidental, tiene lugar el Mountain Man Festival el día de Halloween, donde una multitud de excursionistas acuden a la fiesta, disfrazados y listos para pasar una noche salvaje con música y diversión. Pero una familia endogámica de caníbales les aguará la fiesta.

CRÍTICA: Llegó el terrorífico día, ese en donde todos nos ponemos como gallina a cacarear, a comernos las uñas y con las piernas temblando del gran temor que nos produce cuando nos enfrentamos a una “Wrong Turn”. Pues sí, señoras y señores aunque no lo crean me he arriesgado viendo la quinta parte de esta descarada saga para advertirles aquellos inocentes que no saben a que se enfrentan. Ahora haciendo memoria, recordamos que todo inicio en el año 2003 cuando se estrenó un fresco slasher de caníbales que contaba con un guión y puesta escena más que decente para quedar en nuestros recuerdos y colección privada de por vida. Pero con lo que no contábamos  era que no sería recordada por eso, si no que por algo que nunca imaginamos, ya que se venía a futuro un acontecimiento de no creer. Dos años más tarde salió una secuela lanzada directo al dvd que contaba con los mismos elementos que su antecesora pero con un presupuesto mas bajo, y sin ser nada del otro mundo fue una secuela correcta pero del todo innecesaria. Medio año después se anuncia una tercera película que sin prestarle mayor importancia pensamos que sería una mas. Pero NO, cuando se estrenó en el 2009 y la tuvimos en nuestras manos para poder verla, nuestros rostros de desfiguraron de tal manera que algunos quedaron con severas secuelas al cerebro. Y es que jamás (y cuando digo jamás es JAMÁS) había visto una película tan a vergonzante de si misma, tan aberrante en actores y tan podrida en guión. Cuando acabé su visionado, se me cayó la cara entera y estuve dos días sin ver películas, mis ojos no se recuperaron rápido y mi ocultista me había diagnosticado una supuesta ceguera a futuro por el shock. Así de fuerte fue amig@s y es que Wrong Turn 3 es una aberración sin pies ni cabeza, es algo que ni a tu peor enemigo puedes recomendar.

Ya recuperando de tal horrible suceso y comenzado a mirar buenas películas, un malicioso me llega con la noticia que de una cuarta se avecinaba con bombos y petacas para torturarme nuevamente. Escuchando aquella noticia  el pánico se adueño de mí y la ceguera venía en camino. Finalmente en el 2011 aterrizó en tierras chilenas y yo me hice el loco hasta que un día en la televisión la pasaron y yo sin saber que era la cuarta parte, me la trague entera hasta que pasaron los títulos y supe que era la cuatro (ni les cuento lo que me sucedió ese día) la cual admito que comparada con la tres fue un POCO mejor, pero POCO). La cosa es que la desesperada gente de 20th Century Fox Home Entertainment el año pasado declaró que iba haber una quinta entrega por si ahora le achuntaban. Yo caí de culo al suelo cuando lo leí, no lo podía creer, y hasta hoy no entiendo por qué mierda siguen con esto si las pésimas críticas y la poca recaudación que obtienen del público cada año es tremendamente alta. Algunos me dicen que es todo lo contrario, por eso continúan estrujando esta historia que ya no da para mas, pero cuando me dan esa respuesta es que me digo a mi mismo, tanto que critican la saga echándole kilos de mierda encima ¿y la siguen viendo? Una reacción demasiado contradictoria por parte de todos aquellos "fieles" seguidores del genero que tanto se quejan, pero son los primeros en estar pegados a la pantalla viéndola (me incluyo, pero yo lo hago por curiosidad). Ahora con la frente bien en alto, una dignidad increíble que va por las nubes y sin vergüenza alguna, el frustrado director Declan O'Brien (“Sharktopus” 2010) vuelve para hacerse cargo como guionista y director de esta nueva “Wrong Turn” tras a ver dirigido las despreciables dos ultimas entregas.

El otro día compré la quinta entrega y en mi mente tenía claro lo que me iba a encontrar, así como todos tenemos sabemos que a estas alturas el que se atreve a verla ya no lo hace por ingenuidad sino que por masoquismo (lo digo por los que se asquean con la saga). La cosa es que la noche pasada, con los nervios de puntas, la mandíbula apretada y con ganas de un buen rato cachondo para pasar la noche, me dispuse a ver Wrong Turn 5: Bloodline repitiendo una cuantas veces antes de rodillas con las manos cruzadas “Por favor, por favor, por favor, ruego e imploro que sea mejor que las dos anteriores”. Entonces apretando play, sin una mísera oportunidad de arrepentirme, Bloodline arranca con su habitual y cutre introducción (esa en que tiran el título y lo créditos) donde arrugue la cara al ver tamaña escena digna de una cinta amateur (sin despreciar), y es que no es para menos cuando ves –chica corriendo, se topa con el malulo, le saca su gran dedo del medio apuntando al engendro, pide a gritos que se lo corten, le dice “púdrete, déjame y vete a casa” y mirando de reojos a la cámara con cara de gila sale corriendo lentamente–. Yo pensaba que cómo carta de presentación nos entregarían algo más contundente esmerándose, pero NO, me di cuenta que esto sería aún más desastroso que las anteriores. Ahora si que Declan O’Brien deja firmado con sangre que es un director bajo, mediocre y apestoso que no merece respeto alguno. Sin tener un mísero aire de grandeza para mejorar sus películas, darle siquiera una vuelta de tuerca a la historia, O’Brien sin descaro y riéndose de los pocos fans que lo siguen, repite la misma formula ya vista con menos presupuesto y actores de octava categoría.

El desarrollo es plano, se da con una situación forzada al mas puro estilo “Madison County”. La infaltable escena de sexo inicial explicita entre un tipo rubio y la chica rubia inocentona que juega a ser recataba y miedosa. La historia se va desarrollando en el pueblo donde hay una fiesta anual de Halloween, éste grupo de amigos van y se quedan en un hotel cercano que pareciera que estuviese hecho de cartón piedra. Llegando la noche, sin nadie en el pueblo tras haber estado repleto de gente hace minutos atrás, comienza la parafernalia en que los caníbales retardados dan paso a su festín sangriento. Esta vez hay un integrante nuevo en el bando de los engendros que no es precisamente un deforme igual que los otros. Luego de unos infumables cuarenta minutos donde muestran un sinfín de habladurías entre dime y diretes, unas cincuenta caminatas en círculos por todo el pueblo y mas escenas de sexos que no despiertan los deseos de nadie, los malulos que no saben leer ni escribir, que son totalmente analfabetos pero si entienden a la perfección como manejar camiones especiales de construcción y utilizar varias herramientas modernas (que ni siquiera yo sé como usarlas) con una habilidad especial, se ponen  a matar a los jóvenes que claman ser destripados dándole facilidades y saliendo uno por uno para que éstos no hagan mucho esfuerzo.  La cuestión es que por fin llega el primer asesinato para la rubia protagonista, el cual aunque que cueste creerlo, pasará sin lugar a dudas a la historia del cine serie B y se transformará épica para la saga completa. ¿Qué por qué digo esa gran necedad? Porque la escena es tan irreal, inverosímil, cutre, graciosa, a vergonzante, apestosa, falsa, eterna y mierdosa que te deja sin palabras.

Como si fuera poco, pasada esa insólita escena, O’Brien se toma el tiempo que él cree necesario y se da el lujo de retroceder para estancarse de nuevo en el ritmo pausado o mejor dicho lento, cuando justo el desenlace se ponía un tanto interesante, centrando lo que resta de metraje en las teatrales celdas donde tienen prisioneros a parte de clan fiestero. Allí entablan una buena conversación que se transforma en discusión, luego se miran unas cien veces a los ojos con cara de tener algo en mente pero al final no es así y no encuentran mejor cosa que hacer que dirigirse a las ventanas para ver como asesinan a sus amigos poniendo cara de victimas astutas con ganas de ser héroes pero les da miedo enfrentarse a tres simples sabandijas que miden menos un metro cincuenta y son más delgados que una suricata en estado de hambruna. Tras no llevar a cabo ni una maldita idea, nos queda soportar al fastidioso prisionero que empieza a relatar al más puto estilo “30 Days of Night” el destino que les deparan los caníbales a cada uno de los que están en la comisaria (escena calcada en que el actor Ben Foster le dice a Stella y Eben que los vampiros se acercan y no tienen escapatoria). Ya viendo que la cosa va muy lenta, el director decide ponerse las pilas y dar marcha para volver a lo que interesa (ósea, el gore).  Entonces es cuando los demás comienzan a caer en las inteligentes trampas de los señores retardados que bombardean el pueblo con risas y pataletas cargantes. El número de personajes va disminuyendo rápidamente hasta quedar dos pelagatos en escena, entrando a ese tramo final en donde la cámara va subiendo y enfocando desde arriba la camioneta que por si sola dice que algo terrible se viene para el próximo año o para el 2014.

El reparto ha sido el mejor que se ha visto desde la tercera parte. Tenemos a Camilla Arfwedson como la protagonista de la historia interpretando a Angela, la sheriff del pueblo que tendrá que lidiar con situaciones que no estaban en su agenda a causa del grupito de los pesados. La mejor actuación se la lleva esta desconocida actriz que puso harto esfuerzo consiguiendo empatía con el espectador y durante toda la película sorpresivamente la podemos seguir sin problemas cogiéndole hasta cariño cuando muere. Más que correcta estuvo para ser protagonista de esta payasada. Otra que aparece es la atractiva Roxanne McKee a quien pudimos ver en “F” 2010. Ésta interpreta a Lita, una de las chicas del grupo que vendría siendo como la “puta liberal” con sus vestimentas provocativas y gestos coquetos todo el tiempo. Al margen de su compañera Camilla, consigue darle un poco de credibilidad a su personaje al hablar en momentos de suma calma, pero a la hora de tener que expresar sentimientos cae en la sobreactuación. Aunque me conformo porque no esperaba ver actuaciones regulares. También tenemos al veterano actor Doug Bradley (franquicia Hellraiser) quien interpreta a Maynard, el nuevo integrante de la familia de caníbales que tiene parentesco con esta extraña raza, y que ayuda a matar a gente inocente sin ninguna explicación coherente. Su personaje se me tornó insoportable, a parte que no paraba de hablar estupideces y su cansadora risa hace que quieras colocar mute al televisor por unos instantes. No actúa mal, pero no le crees ese cuento de viejo asesino cuando su cara solo destila un cansancio agotador. Y con respecto a los otros actores, son una añadidura fatal y no hay nada que destacar (ni hablar de los caníbales que parecían monos de circo).

En su apartado técnico hay demasiado que reprocharle y sé que estúpido darse el trabajo de nombrarlos calentándose la cabeza. Sin embargo con mucho esfuerzo trataré de nombrar sólo algunos partiendo con la fotografía, la cual es digna de aplausos por su delicada textura, por sus colores claros que resaltan, por la limpieza que transmite donde se nos viene a la mente que utilizaron un buen desinfectante para remover toda suciedad y NO presenciar algún mal olor que nos haga sentir repulsión. Y es que Emil Topuzov encargado de la fotografía, hace su mayor esfuerzo para que todo sea agradable, haciéndonos sentir extremadamente cómodos y así poder ver Wrong Turn 5 con un buen sándwich sin miedo a vomitar. (Por las dudas, todo lo anterior fue comentando con sarcasmo). El guión es claro como el agua, tan claro que se puede predecir lo que hay en él, no hay que ser un experto para adivinar hacia donde se dirige esta historia. Lo peor es que cada escena, dialogo y personaje creado, se muestran con un seriedad y seguridad que te deja en blanco. Los efectos especiales mejoraron un 10%, pero el innecesario abuso de GGI es exagerado y se agradece cuando usan los pobres efectos artesanales. Los implantes de rostro se notaban pegados con cola fría porque en una escena el sudor le jugó un mala pasada a un caníbal.  La banda sonora es la misma de siempre, entre aburridas melodías de tensión mezclada con unos tracks extraídos de la guerra de las galaxias que presumen tensión. Pero de algo sirve este bso, para cuando estamos cabeceando entrando en sueño, suena el ¡CHAN! y nos despierta. Por lo tanto Claude Foisy merece reconocimiento por mantener al público despierto.

En conclusión, Wrong Turn 5: Bloodline es (nunca pensé que diría esto) con creces mil veces mejor que las dos ultimas entregas, las deja bien atrás en todo aspecto sobretodo en actores y efectos. Tengo la seguridad que logrará entretener, divertir y repugnar a cualquier seguidor por lo absurda que resulta como slasher de serie Z. Se podrán deleitar bastante con la violencia explicita que se entrega porque las mutilaciones, los brazos, piernas, cabezas reventadas y orejas tiradas al cielo, abundan para dejar satisfechos a los amantes del gore barato y extremo (está demás decirlo). Lamentable que no se pueda tomar siquiera como una sencilla comedia de terror amateur, porque sus imparables pretensiones de querer seguir siendo un producto que vale la pena pagar y la escasa tensión que logran alcanzar, lo arruinan todo. Lo único que no ha cambiado es nuestro pensar sobre Declan O’brien, un extraño director que se ríe a carcajadas en la propia cara de su actriz tras verla actuar mal, eso habla peste de su profesionalismo y capacidad como director. En fin, Admito que arriesgándome nuevamente sin expectativa, sin esperar nada de nada, simplemente con esta saga no se puede, por más que intento darle oportunidad para pasar el aburrimiento sigue sin convencerme de que sólo sea cachondeo realizado con poco dinero. De verdad que no hay por donde cogerla. Puede que yo sea muy exigente (aunque no me lo considero) pero las películas de Asylum se disfrutan mucho más por el hecho de tener en claro lo que realmente son “un producto parodia ordinario para reír”. Me molesta que estas películas sean parte del género y las cataloguen como horror, es un atrocidad ya que la etiqueta "horror" le queda grande, y si supieran realmente lo que es una película de horror uff peor uff muchos se retractarían de aquello.

PD: Sigo insistiendo en que la actuación de la escena inicial con la chica rostro de cuyo  es malísima, ¿quien se va a creer que le corten el dedo y se quede mirando como si nada haya pasado?. Además que su exageración al decir su diálogo es impresionante, si se atreven a verla ya verán a lo que me refiero.

                                           AQUÍ LES DEJO EL TRÁILER:

CRÍTICA: BREAKING THE GIRLS (2012)

Título: BreakingThe Girls

Dirigido por: Jaime Babbit.

Escrito por: Guinevere Turner, Mark Distefano.

Año: 2012

País: USA

Reparto: Shawn Ashmore, Madeline Zima and Agnes Bruckner.

Género: Crimen, Thriller, Suspense, Misterio, Drama.

Valoración: 6,3/10

Sinopsis: Una joven, que ha sido perjudicada personalmente, entabla amistad con un estudiante que también cuenta con un enemigo personal. Entonces deciden que cada uno asesinará al enemigo del otro, pero la chica descubrirá que no todo es lo que parece.

CRÍTICA: Estimados amigas y amigos sé que este blog está dedicado especialmente al cine de horror y fantástico, pero esta vez haré una gran excepción (si me permiten) para hablarles de un thriller de suspenso que se desenvuelve por completo en el drama. Como ustedes sabrán, siempre estoy dispuesto a ver todo clase de películas, siempre voy averiguando que ver de vez en cuando para no abotagarme con tanto horror (aunque sé que eso jamás sucederá). La cosa es que el otro día me encontré con una que me llamó la atención que pertenecía  al género Thriller pero mas llevado por el drama como les acabo de comentar.  Siempre ha sido el thriller uno de  mis géneros favoritos, y como he dicho un millón de veces pienso que es el único que todavía tiene muchas historias interesantes que contarnos por el hecho de que existen todo tipos de thrillers (el de misterio, suspenso, drama, terror, horror, crimen, sobrenatural o incluso el de acción y sci-fi). En fin, Breaking The Girls es la película que me dispuse a ver hoy en la noche después de llegar a casa y sin tener muchas opciones me decidí por ella sin investigar nada de nada, lo único que vi fue el tráiler que me vendió de inmediato su argumento. Breaking The Girls es un thriller erótico que bebe de cintas como “Chloe”, “Coffin Rock”, “Strangers on a Tren”, “Fatal Atracction” entre muchas otras. La película sigue la línea de juntar una historia un tanto oscura con el erotismo entre bellas féminas. Y como estoy esperando con unas ganas terribles la próxima de Brian De Palma (el remake “Passion” 2013) que mejor que comenzar a calentar bien los motores con esta producción independiente que reúne elementos similares (y sabrosos) para que la espera se haga amena y estar preparado.

Del año 2012 Breaking The Girls arranca con la vida de la joven Sara, una sencilla estudiante de leyes que está becada por la universidad. Sara trabaja en un bar por las noches para reunir dinero para sus gastos personales entre otras cosas para el diario vivir. Pero de pronto la vida de ella cambia para siempre cuando conoce a la fiestera Alex, una chica que de la noche a la mañana se aparece en el bar y le coquetea descaradamente estando un poco ebria. Como es de esperarse estas  dos intercambian con mucha facilidad un par de palabras (típico) y se llevan de lo más bien para volverse amigas íntimas en cuestión de segundos. En esa noche suceden varias cosas inesperadas; fiestas, alcohol, sueños, drogas, sexo y son parte de lo que experimenta Sara con su nueva y picarona amiga de turno Alex. Pero las cosas se complican cuando Sara tiene problemas personales con una compañera de clases Brooke que la molesta y traiciona tras estar de novia con el chico que le gusta, y cuando digo se complican es porque Alex se entera de esto y le ofrece una idea bastante descabellada vengativa para ayudar a Sara a deshacerse de sus problemas. Estando en un momento se sumo estrés, cansancio y bajo los efectos del alcohol, Sara acepta ingenuamente sin saber que lo que se aproxima no será del todo agradable. Pero calma qué ya me imagino lo que estarán pensado y preguntándose al leer lo esto ¿una historia de niñas al estilo Disney? Pues NO, desde ese preciso momento en que la protagonista se introduce al mundo de la vividora Alex, la película deja de ser una historia tonta de chicas infantiles para convertirse en un drama de thriller cargado de momentos interesantes que van siendo desencadenados por secuencias excitantes.

Ya estando las cartas principales puesta sobre la mesa es hora de saber como ira fluyendo esta historia esperando que no llegue al aburrimiento pausado. Tras unos rapidísimos treinta minutos que son la introducción para presentar a los dos personajes, estos se pasan volando gracias a sus dos bellas protagonistas donde la astuta directora Jaime le regala al público masculino (y porque no, también al femenino) unas escenas cachondas, pero no explicitas que contienen besos suaves y toqueteos picarones de lo lindo, que nos dejan con gusto a poco queriendo ver mucho mas y sin prestar mucha atención a lo que va el film (pero si somos rápido chicos, podemos dejar las tentaciones a un lado y enfocarnos en el guión). Y justó cuando ya se entra en un punto en donde la sexualidad no está teniendo mucho sentido y sucede porque sí, sólo para despistar llegando a cansar, es donde la acción toma fuerza y la historia se va desarrollando sin decaer en ningún minuto. Todo eso transcurriendo cuando el personaje Alex da un vuelco en su personalidad al tener segundas intenciones trayendo consigo el crimen como eje central en todo; seducción, traición y asesinatos sin exageración y sutileza es lo que pretenden mostrarnos con ritmo neutro durante la hora que resta. El único elemento que estaría fuera sería la “obsesión enfermiza” que en este tipo de cintas es muy habitual insertarlo para construir una historia, pero en Breaking The Girls acertadamente no lo usan y lo dejan guardadito sin necesitarlo para no caer en un gran deja-vu, aunque desde su inicio te hacen creer que la realidad va por rumbos diferentes con la típica psycho bitch (perra psicópata) obsesionada con la chica que no la quiere y empieza a matar a quien se le cruce.

Puede que la película desde lejos tenga aires de telenovela de las tres de la tarde, por lo tanto antes de juzgar esperen, ya que cuando los secretos van saliendo a flote nos damos cuenta que nada es lo que parece y estamos ante una película que no es cualquier cosa ni es tan humilde como aparentaba, guardándose lo suyo en un camino con sorpresas que al no ser del todo impresionantes ni originales van tomando coherencia cuando unes todos los detalles que ibas olvidando y vas tomando cada situación intentando armar el rompecabezas que jamás teníamos pensado armar. Eso es lo que hace disfrutable a Breaking The Girls, que no es una película que se basa sólo en mostrar a mujeres desnudas en escenas lésbicas, si no que tiene una historia completa que te hace pensar y te va sorprendiendo hasta el último minuto en que van sacando cosillas que te hacen a decir “mmm…. Esto no me lo esperaba”. Lo que si faltó fue la ausencia de un buen clímax de tensión y suspense que hubiese enriquecido bastante el guión y a las X escenas que requerían de un factor mas contundente para atraparte con mas fuerza, al igual que un poquito de rollo psicológico le hubiese caído como anillo al dedo, pero no es algo que le juegue muy en contra que digamos, es mas bien un punto personal. Ya en el tramo final cuando estamos listos para digerir y sacar nuestra propia conclusión sobre que nos pareció la cinta, tiran lo que se podría llamar un pequeño y convincente giro argumental de último minuto, ese que no te esperas ni de coña porque dada la situación es difícil de predecir. En pocas palabras es la guinda de la torta lo cual hace que esto valga la pena, terminando con unos créditos que son acompañados de una canción que te deja maquinando.

Sin ser una horror movie, en el reparto se encuentra varias estrella juveniles que hemos visto en mas de una ocasión en el género.  Agnes Bruckner, conocida por “The Woods” 2006, “Vacancy 2” 2008, “The Pact” 2012, “Kill Theory” 2009, es Sara la protagonista  que va cambiando de registro con su personalidad que se torna confusa sin saber quien es realmente, si una tranquila estudiante universitaria o una que se las trae entre manos tapando su verdadera identidad con la faceta de niña buena. Su actuación es buena (siempre lo es) pero no consiguió ser completamente Sara para conectarnos con ella y a veces en vez de verla como una victima la ves como una chica un poco denigrante, que va donde caliente el sol y no sabe lo que desea. La atrevida Madeline Zima, a la que vimos en el thriller de los 90’s “The Hand That Rocks The Cradle” con tan solo siete años y en el slasher “The Collector” 2009. Aquí interpreta a Alex una joven multimillonaria que se la pasa de fiesta en fiesta acostándose todas las noches con una chica distinta. Para mi Zima es una actriz infumable, jamás la he soportado porque le encuentro cero expresividad en su rostro cuando actúa y la sobreactuación que siempre hace no se la quita nadie (aparte de interpretar siempre a la rebelde sexual como en la serie Californication) una pesada que tiene un cuerpo para matar pero que ya nada queda de esa niña adorable y talentosa de “The Hand….”. Y por ultimo, para ustedes las chicas el guaperillas de Shawn Ashmore, el famoso gemelo de Hollywood que ya es cuento viejo por películas de la casa como “The Ruins” 2008, “Frozen” 2010, “Mother’s Day” 2011 y muchas más. Su actuación es correcta y no hace falta decir que siempre lo hace bien sin esfuerzo.

En el apartado técnico no hay nada que sea destacable, la fotografía decente para lo que cuentan aunque con los tonos amarillentos se fueron un poco a la exageración, me hubiese gustado ver colores cotidianos. El ambiente de culebrón se vuelve familiar pero tampoco es tan telefilm, el drama sobrepasa a cualquier otro género y es a causa de eso que algunos la catalogarán de esa forma. En cuanto a dirección sólo me queda decir que esta bien rodada y ejecutada, el desempeño de Jaime Babbit tras las cámaras es cauteloso, siempre teniendo en cuenta cada movimiento, situación, detalle y personaje trabajado al máximo (recordemos que Jaime Babbit tiene bastante experiencia en el drama/thriller ya que en el 2005 dirigió la morbosa “The Quiet” y ha tenido varios registros de directora en capítulos de series) El guión sabe a pillería, logra atraparte en cada acto escondiendo un par de cosas, pero no es lo suficientemente  oscuro y/o retorcido como para decir que es un thriller que está a la altura de “Crimen D’Amour”, si le hubieran sacado un poco ese aire inocentón que florecía, otro gallo cantaría y eso que el guión está escrito por Guinevere Turner  la misma que se encargó del de “American Psycho. No hay efectos especiales sólo uno que otro artesanal,  hay sangre pero del 100% digamos que el 5% se muestran algunas gotitas, que para ser honesto no le hace falta y no lo necesita (y obviamente sabes que será así). La banda sonora para mí ha sido lo más que resaltó durante la hora y media. La composición original de Mateo Messina es acertadísima, no es del todo original pero si merece mención y destaca su trabajo. Y el supervisor de música Jenée DeAngelis también escogió la música indicada (sobretodo el tema final que me gustó bastante)

En definición, Breaking The Girls es una película inteligente que se deja ver con mucha facilidad, son de las que te encuentras el día menos pensado y te entregan lo justo y necesario sin tener expectativa alguna. No es aburrida y su normal duración corre en forma veloz sin necesidad de hacerte mirar el reloj. Con cero pretensiones, consigue atraer demostrando que es necesaria por donde se le mire, haciéndote pasar un rato que más que entretenido vendría siendo un rato calmado de relajación (es bien peculiar la sensación que me dejó a mí cuando terminó, que aún no la puedo expresar adecuadamente). Claro está que puede que pase al olvido después de haberla visionado, así como puede llegar a tu colección donde están otras similares (mi caso). A pesar de que hace unos años se promocionó erróneamente como un thriller de horror (WTF!) erótico, cuando lo que menos enseñan son escenas de sexo y gore explicitas, tal como dije solo un par de besos, toqueteos, gotas de sangre y unos semidesnudos entre chicas (se los recuerdo para que después no queden con cara de decepción esperando cosas que nunca verán) y si te gustó la anterior película de está directora “The Quiet” pues esta también lo hará en mayor o menor cantidad. La trama a muchos les puede parecer de chicas pero no nos equivoquemos, que el argumento de “una historia de amor entre niñas genuinamente inquietante y calculadora” dejará a más de uno indiferente y todo espectador puede echarle un vistazo, al menos yo, no veo la razón de no recomendarla. Visionado obligado para los amantes de thrillers taquilleros de los años 80’s y 90’s, y a todos aquellos que están siempre dispuestos a navegar en otras aguas y como no, a todos los pecadores que les gusta ver a dos chicas besándose por la noche.

Dato Extra: En el 2009 se confirmó que la película iba a ser protagonizada por Amanda Crew y Adrianne Palicki es por es que hay un teaser póster que anda en la red, y para rematar hoy están promocionando la película con él. Pero el cambio de ultimo minuto que hizo Jaime Babbit sorprendió a todos y cambio por completo su reparto sin explicaciones oficiales para la prensa.

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